不是每一个初出茅庐的新人，都有机会唱到林夕的词，更不用说还幸运到让林夕量体裁衣。这种高规格的作品配置是成功率的保证，也是难度的象征，给歌手带来“有名”的压力。因为无论词人多负盛名，歌手始终是将作品完整呈现的最终一环，也是最关键的一环。把握好了，多方获益，而拿捏不好，歌手则容易陷入“毁歌不倦”的舆论怪圈。
显而易见，在《烟火里的尘埃》中，华晨宇的表现足以为林夕以及自己赢得良好的口碑。但我们却听不到“把握”与“拿捏”的影子，这显示出华晨宇的演绎功力，以及词作与华晨宇成长经历的贴合。
歌词从“飞舞的尘埃”写起：烟火纵然绚烂至极，却难逃烧成尘埃的宿命。面对从高空掉落的尘埃，林夕敏锐地切入到了“没人发现它存在，多自由自在”的视角——哀而不伤、兀自华丽。如果烟火也有情绪，那这无疑是它最好的宣言。
这同样也是华晨宇的“宣言”，从初登台的《无字歌》开始，华晨宇在孤独中盛放的强大内生动力就显现出来。外界对他的不伤与华丽有着许多解读，但都归结到了他与孤独的抗争到和平共处，他与音乐的慰藉到融为一体，以及对自己怀疑到和平共处的过程。
这个过程很执拗，林夕用简短的几句，模拟了其中的几个瞬间——“只有我守着安静的沙漠，等待着花开；只有我看着别人的快乐，竟然会感慨；就让我听着天大的道理，不愿意明白。”
这个过程很独特，林夕也为这个过程的结果下了华晨宇式的定义——“我的心里住着一个苍老的小孩。”
有时候词人的厉害之处在于，他甚至能比歌手本身更能了解自己，已致可以将这种了解抽象成寥寥几句，却能画龙点睛。林夕无疑就属于这一种。而华晨宇的厉害在于，他唱着自己却不矫情，说着自己却不滥情。
整首歌的前2/3，华晨宇带着一种疏离感，即便歌词处处都是“我”，但他似乎唱得是别人的故事：唱腔平实克制，并不让人觉得有一丝不悦；感情却饱满有力，带入感极强，听众不知不觉便走进了他成长的过程中，完成与他同步的自我认知。
而在歌曲的后1/3，隐忍的力量终于爆发，每一句都充满力道：“笑得开怀，哭得坦率，我就是我，我只是我”中的真假音不断转换，华晨宇丝毫不介意开始“炫技”。直到最后“只是一场烟火散落的尘埃”高音飚上又假音持续，达到与编曲电吉他的“共舞”。这样的配置很绝妙，华晨宇与吉他二者音高相仿、音色相似，酣畅淋漓间，将这首歌的难度提升到普通华语歌曲所达不到的境界，也打上了“华晨宇”的鲜明标签。
如此难度的营造，当然也离不开编曲与作曲人的巧手。西楼的曲本身就充满情绪起伏的张力，与郑楠一同的编曲将钢琴与电吉他混搭，一方安静隐忍一方热情嘶鸣，节奏由缓至疾间，情绪也由层层递进，构筑出华晨宇面对孤独时的两种不同状态，用林夕的词来说正是“哭的坦率，笑得痛快”。
《烟火里的尘埃》到曲末，作词、作曲、编曲与歌者统一跃上了“不疯魔不成活”的自我境界：孤独吗？的确；快活吗？当然！华晨宇借由乐坛词曲的“高配”，完成了解析自我孤独的惊艳之作，而词曲人也借由华晨宇的演绎获得释放。多方最终打造出这一首超越难度、盛放孤独的《烟火里的尘埃》，十分难得，却也理所应得。?
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