来源：搜狐音乐独家稿件
作者：小樱
乐坛需要好的创作还是好的声音？这听起来像是一个鱼与熊掌的命题，但如果硬要在两个当中选择一个的话，我会义不容辞地“舍身取义”，选择“好的创作”。
我们不妨先把事情扯远一点。在人类文明的最初起源里，音乐和祭祀、劳动等重大的活动是离不开的，而音乐简而言之就是一种抽象化的、能令人愉悦之或审慎之的声音，这种声音和往常我们说话不同的是，它有特殊的音色、旋律、节奏。在这一过程中，“歌手”的角色是后来才出现的，是部落里唱得最好的几个人被大家推选出来的，但归根到底音乐的本源还是群体性的、大众化的产物，嗓音是否嘹亮、音准是否精确，这些都不妨碍人们享受音乐，重要的是作品本身，是《关雎》，是《蒹葭》。
对于当下的流行音乐来说，唱得好不好，其本身的评价标准就是在不断改变的。在上世纪八十年代以前，主流审美中好声音一定是要高亢的，但宝岛台湾的邓丽君的出现、以及师从西洋发声法的李谷一那首《乡恋》的红遍大江南北，一下就颠覆了大家对“好声音”的定义。尽管这一过程中充斥着大量关于“靡靡之音”的批判和公众性讨论，但丝毫没有妨碍大家审美发展的进程。到了今天，各种唱得“越来越不像话”的歌手们都获得了大众的认可，周杰伦的口齿不清、陈绮贞的气若游丝，这些你会介意吗？最重要的是他们的作品，是他们的创作。正因为他们的歌曲之优秀，其中所蕴含着的高传唱度，让人人争相哼唱。
从本质上来说，歌手的天职是唱歌，首先第一件事就是得把歌唱好，这是天经地义的事情。但究竟何谓之“唱好”，这又值得商榷。在华语流行乐坛中，一直以来总是过于重视声音技巧的培训，而忽视了歌手本人的文化底蕴修养，这让许多歌手看起来都像一个空架子，或是一个CD播放机，你很难能从他们的声音中听到思想及内涵。而音乐是一种声音符号，是人们思想的载体之一，其中必有作者、歌者或演奏者的生活体验和思想情怀在里头，通过表演和聆听音乐，表演者与聆听者、聆听者之间发生互相的情感和思想交流。如歌曲的演唱者是一台缺乏内在修养的空架子的话，音乐的传达效果则无疑事倍功半。
当然，我不是一竿子拍死歌坛的实力唱将们。毕竟在当下的流行乐坛中，歌手个人对自己音乐作品的表现形式、风格定位等都不太说得上话，大部分歌手没有太多的自主权，制作人会包办一切，包括唱什么歌、怎么唱，于是这样便产生了大量的罐头音乐。反观国外欧美乐坛，你会发现几乎所有的歌手都主导了自己的创作，如披头四、如迈克尔·杰克逊、如现在只手遮天的Lady Gaga，对自身气质和个性的挖掘，并通过自己所书写的作品表现出来，这是一个完整歌手的定义。
回到最开始的话题，如果要在创作和声音中硬着头皮选一个，我会选择创作。
我们不妨看看鲍勃·迪伦。这位扯着一副公认的破铜锣嗓的20世纪美国最重要、最有影响力的民谣歌手，美国反战运动及民群运动的代言人，他依靠着一首接一首蕴含着政治抗议、社会评论、哲学和诗歌美学的作品，前所未有地扩充了流行音乐的广度和深度，让流行音乐史无前例地成为了社会思潮中举足轻重的一股力量。对于荣获普利策奖的歌手第一人，我们都深知迪伦最伟大之处在于其诗化般的歌词，但似乎没有多少人会去追究他唱得到底有多烂，嗓子到底能有多破。但在迪伦的粉丝看来，他的这一声音演绎确实恰如其分的，一个有很多转音的娘娘腔是不会有这样发人深省的力量的。
我们不妨再看看左小祖咒。从十几年前开始，左小祖咒就奠定了自己独树一帜的音乐风格，不受约束，唱到哪算哪，这让他的歌曲在主流审美中听来简直和鬼哭狼嚎无异，可从另一个角度来说，这种不着调的演唱却又带给我们轻松自如又乱七八糟的娱乐效果，而这种娱乐效果恰恰正是“笑着哭”。同时，左小作品中同样充满的是对现实强烈的批判主义精神，以及对器乐超人一等的驾驭能力。
最后我们再看曾轶可。这位充满争议的90后女声几乎是创作和声音最典型的矛盾爆发。在选秀结束之后，曾轶可发行了其个人首张全创作专辑《Forever Road》，在录音师的音准校正等后期处理后，曾轶可的声音在歌曲中没有太大的问题，因此有朋友称：如果曾轶可最早是以专辑中的样子示人，那她还会有争议吗？确实如此，这张几乎是90后一代清明上河图似的音乐作品，如果当初因为对曾轶可现场演绎功底的全盘否定便不会出现在大家面前，这是否是一个遗憾？
由于国内的流行音乐起步较晚，对个性及表达、音乐之价值的认识发展较为迟缓，在这样的背景下，我们不妨偏执地倾向创作，以鼓励更不一样、更百花齐放的乐坛。
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